C’est la deuxième fois que tu utilises la laine en tant que matériau. C’est venu comment ?

La première expérience, c’était pour un fête privée, une fête musicale. Le fil tressé s’est imposé de lui même à cause du titre de l’installation « la Trame » avec comme sous titre « ÉÉÈ Éphémère ». La trame, c’est un terme utilisé par les tisserands, les géomètres aussi. C’est devenu aussi un moyen pour analyser le monde : on découpe le monde; longitudes et latitudes définissent par exemple une trame sur une surface courbe comme la terre.

C’est la structure qui est importante dans ce terme, la trame c’est le support de quelque chose à venir, c’est un cadre qui permet de penser l’informel.

Sur ce projet, tu as commencé par définir une règle du jeu, sans à priori. La seule chose qui était dessiné sur l’avant projet, c’était le lieu et ses limites, la maison dessinée schématiquement, les arbres aussi …
Oui, cela s’est passé comme cela, un principe ou une règle du jeu pour un lieu particulier avec cette dimension  in situ , la prise en compte de l’existant. Le travail de François Morelet m’est revenu en mémoire. Avec un logiciel 3D, j’ai tiré des lignes, dans le plan, dans l’espace. Le plan d’architecte ou de géomètre est une façon de s’approprier l’espace, de le comprendre, d’intégrer les dimensions et les volumes. Le plan, un outil incroyable inventé par le genre humain pour redessiner le monde tout en essayant de le comprendre.
L’intersection des lignes de la trame dessinée permettait de définir des sous-espaces d’intervention plastique. J’ai même imaginé que d’autres plasticiens pourraient intervenir sur ces micro espaces. Après, c’était possible d’étendre le projet aux maisons avoisinantes, le principe pouvait fonctionné à différentes échelles y compris du quartier, de la ville…

Et la laine ?

Plutôt que prendre du fil ou de la corde, le fil de laine a une autre dimension, plus chaleureuse. Elle est utilisée pour envelopper le corps humain, pour le révéler, voire le cacher ou pour l’embellir. Tissée, tricotée, la laine devient un espace intime qui apporte de la chaleur, de la fragilité aussi, elle se tricote comme elle se détricote dans un processus réversible à l’infini.

L’espace est tramé et tu tricotes l’espace ?

À partir de la trame, on dessine des surfaces et des volumes avec des fils de laine. La matérialité du fil est génératrice, l’ensemble crée une surface. Par un jeu de plein et de vide, l’œil humain fait le lien de continuité visuelle entre les coupes, imagine l’absent. Reste un vocabulaire minimaliste suffisamment riche pour jouer de différentes variantes.

Daniel Buren dit que les bandes de 9,5cm de large qu’il utilise constitue un vocabulaire. Le fil de laine, la gravité, le plein, le vide s’inscrivent dans une démarche similaire.

La création de surface, le modelage des formes avec des pleins et des vides est un travail que je développe depuis des années. J’ai commencé la sculpture à 20 ans en découvrant le travail du sculpteur Henry Moore en même temps que celui de Cardenas, Brancusi, Ulrich Rückriem et d’autres qui travaillaient beaucoup tant sur le plein que sur le vide. Je m’appuie aujourd’hui sur ma pratique de sculpteur avec un autre vocabulaire, à une autre échelle avec une dimension monumentale. Celle-ci se révèle dans cette série de sculptures en bronze « Les géants » alors qu’elles ne font que 20cm de hauteur!

Il y a donc un lien très fort entre ce travail avec la laine et la sculpture que l’on pourrait dire « classique » ?

Oui, c’est pour cela que je préfère dire que je suis sculpteur plutôt que plasticien, une référence à un artiste qui travaille la matière.

Si Cardenas, Moore, Brancusi …. étaient contraints aussi par la matière, pour cette installation avec la laine, la contrainte est la gravité terrestre. Si tu accroche le fil à un bout, l’autre étant libre, cela fait une ligne verticale. Si tu l’attaches aux deux extrémités, cela fait une courbe, plus exactement une chaînette. On peut l’expérimenter facilement ou le voir dans la nature. Les lignes à haute tension qui zèbrent l’espace dessinent une chaînette. Les électriciens, à leur manière, font du land art ! Après, il y a aussi le travail de l’architecte Antonio Gaudi qui simulait dans son atelier ses architectures, sa cathédrale avec des cordes et des poids pour visualiser les forces en jeu. De cette analyse directe avec des fils découle une esthétique très forte avec des piliers inclinés notamment dans son incroyable Sagrada Familia à Barcelone. Les piliers inclinés suivent les lignes de force, c’est pour cela qu’elles sont en biais.

Mon travail se décale de la sculpture classique du XX siècle tout en gardant l’essentiel à travers une recherche plastique singulière.

Et aussi la dimension monumentale ?
C’est important, car j’ai tout de suite été attiré jeune par la sculpture de grande dimension, plutôt pour l’extérieur. Au Greniers à sel, c’est vraiment une intervention In situ sur plus de 500m2 avec très peu de matière, 800 grammes seulement de laine et beaucoup de vide. Le spectateur remplira ces vides par sa présence active.

Le lien avec Gaudi est net pour ce travail dans les greniers à sel de Honfleur ? Il y a peut être aussi une dimension sérielle …

Une charpente est réalisée à partir d’un même élément que l’on répète plusieurs fois à l’identique. Le charpentier passe donc beaucoup de temps à dessiner ce premier élément pour le perfectionner au maximum et ensuite on le fabrique en plusieurs exemplaires, à l’identique. Cela doit être très rare de voir une charpente avec des principes constructifs différents sur une même charpente ? Ces principes des bâtisseurs sont la signature de leur travail et du bâtiment même, c’est là que se situe la création. On dit que ces artisans sont des hommes de l’art et je m’en sens proche en tant que sculpteur.

Donc, nous avons la charpente qui est l’élément singulier des deux greniers à sel de Honfleur. Les touristes viennent la découvrir, plus de 1500 visiteurs par jour. Cette intervention artistique in situ fait un écho inversée par rapport à la charpente. Chaque trame dessinée par les fils de laine est différente sur 9 mètres de long, une vague se dessine qui est ensuite répétée. Il y a une dimension sérielle et cette répétition crée un rythme comme celui d’une vague.

Les fils tombent du ciel.

Comme avec la pierre, le travail sur le plein et le vide, le négatif est pris en compte à ta manière toujours de façon très sensible. Tu avais déjà travaillé sur ce thème en projetant de la lumière laser sur la voûte d’une église ?
Dans le cadre de l’exposition « Arts sous les clochers »à Yquelon, près de Granville, j’avais projeté un trait lumineux rouge très fin, un trait laser, sur la voûte cylindrique de l’église. Le laser pouvait se déplacer de façon interactive avec le spectateur et dessinait sur le plafond cylindrique un cercle qui se transformait en ellipse à d’autres moments. Cette transformation du cercle en ellipse est une question de géométrie qu’Archimède avait étudié. Pour cette installation in situ, la voûte était découpée avec des tranches virtuelles de lumière, le spectateurs en était le pilote, enfin presque car l’algorithme qui réglait le mouvement des lasers avait son mot à dire. Cette notion est d’actualité avec l’émergence dans notre quotidien, de l’intelligence artificielle avec le poids des algorithmes.

Ce dernier projet avec des lasers et de la robotique «  Hommage à Archimède » est significatif de ton approche avec une dimension scientifique et technologique mais toujours poétique. « 800 grammes » est plus minimaliste comme certaines de tes sculptures que tu as pu faire avec du granit ?
« Clé de voûte » sculpture constituée de deux arches en acier délicatement posées à terre supportent une plaque de granit de 300kg et en constitue le point de jonction, un lien très fort. Cet élément ne pouvait être que en pierre pour souligner un élément constructif largement utilisé par les bâtisseurs. La clé de voûte fait partie de leur vocabulaire au même titre que la ligne, la courbe, le point. D’ailleurs, je préfère le titre en anglais « Keystone » qui est plus explicite et nous informe sur le rapport entre « Forme et Matière », entre « key » et « stone ». La forme : les grandes arches, sont au service du propos artistique, la pierre est la clé de voûte qui donne du sens à cette œuvre.

La sculpture de Vincent Gavinet au Havre qui est juste en face de Honfleur est vraiment dans le même esprit. Je connais ce sculpteur et son œuvre « Catène de Containers » est vraiment hors norme comme celle de Richard Serra au Guggenheim Bilbao ou de Chilida.

Tu as aussi travaillé dans des écoles d’art?
J’ai monté en 1996 le premier atelier numérique à L’École Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris – Ensb’a –. J’ai une formation scientifique d’ingénieur qui m’a permis d’aborder le numérique dans les années 90. Ensuite, j’ai travaillé à L’École Nationale Supérieure de Création Industrielle – ENSCI-Les Ateliers – l’approche design, sa dimension créative m’a beaucoup intéressé. Les étudiants.es de ces 2 écoles m’ont beaucoup appris à travers leurs créations et inversement, par ce que j’ai pu leur apporter.

Il faut aussi parler financement, bénévolat, Aide à la création….et l’implication importante des services techniques de la ville ?
Les trois sponsors sont en lien direct avec l’installation : HappyWool-Phildar-Phildar pour la laine qui est notre seul matériau sur cette installation, Karver sailing experience qui fournit cordes et poulies pour le montage de « 800 grammes » et Boesner qui est un vendeur de matériel beaux-arts.

Avec ces entreprises et avec le soutien de la mairie de Honfleur, cette exposition d’art contemporain peut avoir lieu dans de bonnes conditions. Nous avons aussi sollicité la DRAC pour une aide à la création.

Il y a également des bénévoles pour le montage de l’installation et l’accueil du public, les services techniques de la ville de Honfleur dirigés par Benoît Nicolle. Merci à Murielle Madoyan graphiste à la mairie, Eva Hamard, graphiste indépendante nous a fait l’honneur de réaliser l’affiche somptueuse de « 800 grammes » et Jacquie Guiyoule pour la direction artistique. Merci à Caroline Thévenin, maire adjointe à la culture de Honfleur, sans eux, rien n’est possible.

13 janvier 2024
François Gaulier, sculpteur

06 63 62 91 85 – contact@gaulier.fr

https://gaulier.fr/evenements/greniers-a-sel-honfleur-800-grammes/

Avec tous nos remerciements pour la ville de Honfleur
et nos trois sponsors: Happywool, Boesner et Karver Systems

Ces deux sculptures de quatre cadres orientés orthogonalement dans l’espace, donne un point de vue sur l’espace. Comme on le ferait avec un appareil photographique, cette sculpture cadre l’espace. Le public est amené à regarder le lieu d’exposition à travers le prisme de cette sculpture avec, au sens propre, quatre cadres différents.

Cette œuvre nous rappelle aussi l’importance de la qualité de nos espaces de vie, savant mélange de nature domestiquée et de construction de l’esprit.

Par ailleurs, cette sculpture reprend le vocabulaire des charpentiers et leurs techniques d’assemblage des poutres de chêne, clin d’œil aux colombages des maisons normandes, des charpentes ou des grues industrielles du port du Havre.

Pour lire l’article sur le site de la médiathèque

Les deux figures enlacées, qui ornent le parvis de l’église Saint-Pierre à Touques, sont réalisées en acier. Dans un équilibre parfait, elles font comprendre la quête de leur auteur : « Je cherche à relier l’abstrait au côté figuratif de l’œuvre. »

pour lire l’article sur Ouest-France

François Gaulier est sculpteur. Il utilise différents matériaux. Ses sculptures vont du petit au monumental, de l’abstraction au figuratif. Elles sont conçues pour être exposées à l’extérieur même les plus petites.

Avez-vous baigné dans un milieu artistique quand vous étiez enfant ?
Non.
à partir de quel âge vous êtes-vous adonné à votre art ?
à vingt-deux ans.
Avez-vous pris des cours ou fait des études liées à votre art ?
Je suis autodidacte en art mais je sais compter, mesurer, calculer, dessiner et ça je l’ai appris à l’école; cela me sert pour créer mes sculptures
Vivez-vous de votre art ?
En partie, je travaille par ailleurs dans le domaine du design. C’est un pont avec les métiers de la création et une source de revenues. Je suis déclaré à la maison des artistes.
Quels obstacles avez-vous rencontrés ?
Il faut croire en soi, c’est le plus difficile.
Comment votre première œuvre artistique a-t-elle été reçue par le public ?
Exposer ses réalisations est très prétentieux; il faut l’accepter; c’est un privilège que l’on prend, le public joue le jeu avec encouragement et sympathie quand on commence.
Votre conception de l’art a-t-elle évolué ?
Je cherche toujours à ne pas ennuyer le spectateur même si je lui demande un peu d’attention. L’utilisation de matériaux différents fait évoluer ma pratique artistique. J’utilise le granit comme le bronze, l’aluminium ou le bois; l’acier se prête bien aux grandes sculptures. L’utilisation de ces matériaux différents, m’oblige à être en contact avec d’autres praticiens, des industriels ou des artisans pour comprendre leurs méthodes et apprendre un peu de leur savoir faire. Certains éléments de mes sculptures sont réalisées par des entreprises.
Peut-on faire de la sculpture comme Rodin? Rodin aurait très certainement utilisé la 3D, l’ordinateur. Le land art s’inscrivait hors des villes alors que 90% des êtres humains sont des urbains. Je cherche une sculpture qui s’inscrive dans la ville et à l’échelle de l’homme. L’architecture étant abstraite, mes sculpture sont à la frontière de l’abstraction et de la figuration toujours à l’échelle de l’homme et de l’architecture.
J’espère que ma conception de l’art va encore évoluer, c’est ce que je cherche aussi en créant les conditions de cette évolution.
Qu’est-ce qui vous plaît le plus dans la pratique de votre art ?
Fabriquer un objet sans usage mais nécessaire à l’homme pour notre survie ; inscrire l’art dans l’espace publique, la ville, un parc, un jardin au contact direct du public.
Quelles sont vos autres passions ?
L’architecture, le bâtiment, le design, la préhistoire, l’ethnologie.
Vous paraît-il fondamental que vos enfants pratiquent un art ?
Fondamental ? Non, mais nécessaire si l’enfant en ressent la nécessité. La passion doit toujours exister évidemment, nous devons déjà transmettre cela
Avez-vous rencontré des personnes qui ont joué un rôle déterminant ?
J’ai été marqué par le sculpteur Ervin Patkaï qui a montré que l’on pouvait faire de la sculpture avec du béton. Je l’ai connu par des livres; il fut un déclencheur.
Certaines œuvres artistiques vous ont-elles marqué et influencé ?
Les oeuvres de Rodin, d’Henry Moore, des minimalistes américains et du Land Art.
Quels sont vos modèles en matière d’art ?
Mes modèles se situent entre l’abstraction et le figuratif, entre la ligne droite et la courbe : Rodin/Donald Judd, Frank Stella/Henry Moore pour ne citer que ces 4 sculpteurs
Quelle définition donneriez-vous d’un artiste ?
Une tête et des jambes pour s’enfuir au bon moment.
Vos œuvres naissent-elles de l’émotion d’un moment ou sont-elles le fruit d’une réflexion ?
Impulsion et réflexion, une certaine forme d’émotion, la mienne que nous souhaitons partager avec les autres lors d’expositions ou dans un parc, une place
Pensez-vous que le talent soit génétique ou déterminé par un certain environnement familial ou social ?
Il faut un peu de chance pour que les deux se croisent.
Le philosophe Hegel a dit que l’art était mort. Dans quelles mesures a-t-il raison ?
Nous ne sommes pas morts, l’émotion n’est pas morte.
Selon vous, quelle place et quel rôle a l’art dans notre société ?
Juste ce qu’il faut pour ne pas tomber dans l’abime; la société contrôle ce trop plein. Cela déborde parfois, l’histoire de l’art est plein d’exemples d’artistes maudits ou proche du pouvoir.
Pensez-vous qu’il existe une hiérarchie d’une part au sein des arts, d’autre part au sein d’un même art ?
Toutes les disciplines se valent. Après, il y a une hiérarchie sociale, intellectuelle. On peut le voir aujourd’hui où l’art conceptuel est sur représenté dans les expositions.
Pensez-vous que les artistes doivent s’engager ?
Prendre des risques, oui, un risque individuel dans mon cas.
Cela vous est-il arrivé de vous autocensurer ?
La difficulté est d’aller jusqu’au bout. Une sculpture est presque fini que l’on en commence une autre pour ne pas perdre le fil de la discussion. Se censurer, reviendrait à arrêter l’histoire que je suis en train de raconter; ce n’est jamais très positif de créer les conditions de la rupture.
Aux siècles précédents, il existait des courants artistiques. En ce début du XXIe siècle, en existe-t-il ?
Les courants artistiques d’aujourd’hui sont plus difficiles à voir car on est dedans, l’art étant aussi mondialisé; avec un peu de recul, on verrait autre chose. Le plus important est d’être en phase avec son temps.
Vous sentez-vous seul dans la pratique de votre art ou appartenant à une communauté d’artistes ?
Pas seul, un peu seul, c’est la nature de l’homme : l’empathie est une donnée du vivant.
Sartre écrit à la fin de son autobiographie Les Mots « nulla dies sine linea » (aucun jour sans écrire une ligne).
Exercez-vous votre art quotidiennement ?
Oui, mais on est parfois un peu lâche; il faut sans arrêt se reprendre, relancer la machine.
Etre artiste rend-il moins angoissé par la mort, dans la mesure où vous vous dites que votre œuvre vous survivra ?
On est trop occupé pour penser à la mort.
Avez-vous un thème qui vous obsède et qui est récurrent dans votre art ?
Des pistes, des chemins, oui, des thèmes que l‘on suit, d’autres thèmes que l’on cherche, que l’on croise et que l’on voudrait parfois oublier pour ouvrir d’autres voies.
Certaines de vos œuvres sont-elles des variantes d’une même oeuvre (comme Monet qui a peint de nombreuses versions de la cathédrale de Rouen) ?
Cette question des variantes serait à développer : fait-on toujours la même chose ? un travail s’appuie-t-il sur le précédent ou appelle-t-il le suivant ? faut-il chercher un ordre ? Une chronologie. Dans mon cas, il y a un peu de tout ça.
Certaines de vos œuvres sont-elles des réécritures d’œuvres d’autres artistes (comme La Fontaine qui a réécrit les fables d’Esope et de Phèdre) ?
Cela nous arrive à notre insu ; vivant dans une époque donnée, les travaux artistiques des autres nous influencent forcément ; inversement, on veut vivre complètement notre époque et la raconter à travers la sculpture, celle que je fais.
Avez-vous un projet artistique qui vous tienne à cœur et que vous comptez réaliser dans les années à venir ?
Je travaille depuis plusieurs année sur le thème des pierres dressées comme on peut le voir à Carnac ou Stonehenge en Angleterre; le Granit est très présent dans mes sculptures dés mes premières réalisations.
J’ai eu la chance de redécouvrir au Perreux sur Marne un Menhir, daté d’il y a 4000 ans. J’avais développé pour la mairie un projet pour raconter cette histoire, un moment de la préhistoire qui a vue le jour non loin du pont de Bry. Le menhir est toujours là et j’espère que l’on ne va pas l’oublier. L’art peut le réveiller.
Je souhaiterais arriver à réaliser ce projet. Merci de m’avoir posé cette question, nous y arriverons peut-être ensemble d’autant plus que ce menhir a été trouvé à 200m du Lycée Paul Doumer.
Pour quelle raison avez-vous choisi de vivre au Perreux ?
J’ai réussi à avoir un atelier au Perreux.
Etes-vous en relation avec d’autres artistes du Perreux ?
Oui, je fais partie du Nadir et d’autres groupes artistiques à Fontenay sous Bois et à Paris; j’expose par ailleurs dans toute la France.

Découverte de quelques sculptures de François Gaulier lors de l’exposition des artistes du Nadir au carré des Coignard

Un sculpteur travaille la matière. Autrefois, on sculptait la pierre; il reste peu de sculptures de l’antiquité en bronze car elles ont été fondues pour fabriquer au cours du temps des canons. Depuis le début du XXème siècle, on utilise d’autres matériaux l’acier par exemple comme l’a fait Picasso initié par Julio Gonzalez . J’exploite cette richesse des matériaux, que je choisis en fonction des projets. L’aluminium, le bronze est utilisé pour des formes plus rondes, l’acier pour des formes plus géométriques. La cire comme le polystyrène se prête bien au travail de la forme.

Quand on travaille en équipe tout est différent, chacun amène le meilleur de lui-même. Il se crée une émulation. C’est la même chose dans l’architecture ou le design, derrière Starck il y a peut être vingt personnes. Dans les ateliers de Rodin, le même esprit vivait. J’aime retrouver ces sensations à travers la réalisation d’une sculpture monumentale qui demandera beaucoup de compétences et un travail en équipe.

Je m’intéresse tout particulièrement à la sculpture pour l’extérieur, des sculptures monumentales, je n’aime pas les bibelots sauf pour les maquettes, étape nécessaire avant de réaliser un sculpture à grande échelle. Je cherche des sculptures qui résistent au temps. Chaque partie est boulonnée et construite séparément, pour que la sculpture puisse être fabriquée, démontée et transportée; une certaine esthétique issu du processus de fabrication s’en dégage .

Le processus de « variantes » est le même que celui de l’écriture. A partir d’une forme de base, comme Figures humaines, pourquoi ne pas faire des variantes d’un même idée, en fonction par exemple de l’orientation des éléments entre eux, de leur échelle, des matériaux? J’ai rendu un hommage abstrait à Queneau et à ses Exercices de style; le titre de la sculpture était : « Hommage à Raymon Queneau »; elle a été exposée l’été 2013 sur la place de la mairie du Perreux sur Marne à coté du jeu d’eau installé récemment.

Le socle est très important pour une sculpture : un socle aéré, en hauteur permet de magnifier le côté aérien de la sculpture. Il ne fait pas pour autant partie de la sculpture, c’est une frontière, un lien avec le sol avec la Terre car la sculpture n’est pas une abstraction.

Extrait de Passerelles des arts